domingo, 23 de diciembre de 2007

En gusto se rompe en géneros.

Por Andrea Gon-Belt.




Y que siempre si salgo, derechito al Garage y como no queriendo, bailar tantito al compás de la mezcla sumamente variada (y muy buena) del Dj LP, mejor conocido como el Lechero Pastrana; un poco elctro, pop del nuevo, del viejo y del ausente, unas cuantas clásicas y al final y a cinco minutos de olvidarlos: Control Machete y Celso Piña; mientras todos bailaban, las chicas al frente haciendo sus mejores pasos ochenteros, un “pachi” buscando aquellito y la gran mayoría cantando alegres esa partecita que dice “haaaarto estoy, de ver que tu conciencia no te deja razón”, tal vez recordando y/o extrañando los buenos tiempos machetes.



Despuecito suben tres hombres de frondosa cabellera, lentes oscuros y atuendos coloridos ni mas ni menos que Chambelán, unas cuantas fans eufóricas se acercan al escenario y otros tantos desde lejos ya empezaban a pedir canciones. Yo, primeriza en este asunto “chambelanezco” supuse que estaría bueno; de pronto una pantalla con fotos de “chicas sensuales”, risas, comentarios y anécdotas dentro del publico y una voz chicana, por parte de Randy integrante del grupo, que saludaba a la gente. Un minuto mas y ya estaban deleitando al publico con su peculiar show, lleno de folclor y cosas chistosas. Que cumbia, que rap, que esto y que lo otro, es ahí cuando a uno no le queda claro si en algún momento van a decir “esto es una broma”. Pero ya entrada (o entrados, mas bien) en gastos no queda mas que disfrutarlo.

Definitivamente animaron a todo aquel presente, no solo por su música y show, en los intermedios dejaban clara su sangre liviana y ganas de hacer reír, sobre todo durante “Ti pi ton” canción mas pedida de la noche y “fiesta en la cuadra”; ya cuando todo era felicidad, risas y saltos anuncian de manera sarcástica “una canción original, plagiada hace tiempo”: “It´s no good” de Depeche Mode versión cumbia, el publico que no sabia si reir o llorar mejor se puso a bailar.

Y ya de mi parte felicito ampliamente al Garage por la remodelación que le sentó muy bien.


-Mi cámara fue la gran ausente de la noche.
Fotos, de sus respectivos myspace.

martes, 11 de diciembre de 2007

Dinosaur Jr en Austin, Texas @ Emos 7/12/2007

Llegué a la Calle 6 cuatro horas antes de empezar el toquín. Tenía tiempo suficiente para recorrer esa área de Austin llena de galerías, tiendas hippies, restaurantes y bares. Cuando pasé frente al antro donde tocaría Dinosaur Jr vi el autobús en el que viajaba la banda y sin esperármelo encontré a J Mascis sentado adentro muy concentrado leyendo un libro. Me emocioné y estuve cerca de tomarle fotos pero no quise adoptar la actitud de paparazzi. Guardé la calma (y la cámara), seguí caminando para hacer tiempo, me topé con algunos vagabundos bilingües pidiendo monedas, también con músicos callejeros que buscaban un porro (me vieron la cara de stoner) y terminé en un baresillo tomándome un par de cheves.
Pasadas las 9 ya estaba adentro del antro, un local descuidado, lleno de calcomanías en las paredes y un modesto escenario poco iluminado. Ahí arriba estaba una pared de bocinas y amplificadores Marshall que usaría J Mascis. Viendo tan aparatoso juego de sonido mis oídos sintieron lo que vendría.


La banda local Grand Champeen abrió la tocada con un power pop muy divertido, una especie de rock ruidoso pero inofensivo con melodías beatlezcas. Cuando los escuché en myspace no me gustaron tanto. Escucharlos en vivo me hizo comprender su música, nada del otro mundo, pero vaya que rockean. Cuando una banda es honesta en cuanto a su sonido y concepto, se transmite una vibra muy especial. Los cuatro integrantes se veían muy contentos, y cómo no iban a estarlo, teloneando a una de las mejores bandas del mundo.
La tocada siguió con Awesome Color, banda que actualmente acompaña a Dinosaur Jr en su gira. El trío de Michigan pertenece al sello Ecstatic Peace fundado por Thurston Moore quien produjo su último disco. Cuando vi al bajista y a la baterista instalándose en el escenario, pensé que eran del staff y no integrantes del grupo. Se veían demasiado jóvenes, parecían menores de edad. Imaginé que eran los hermanos menores de algún miembro del grupo y que estaban ayudándoles. Empezaron a tocar y al guitarrista se le reventó una cuerda cuando dio el primer acorde. Vaya suerte. De todos modos siguió tocando como si nada y cambió de guitarra en la segunda canción mientras algún técnico le reponía la cuerda. Su show fue verdaderamente espectacular, ofreciendo un garage-punk-psicodélico con influencias de Black Sabbath.


Inolvidable el momento en el que el guitarrista sacó un mini amplificador cargándolo con la mano derecha y acercándolo a las pastillas de su guitarra Fender (un modelo raro, una mezcla entre stratocaster y telecaster) mientras tocaba un solo con la otra mano provocando mucho feedback y la sensación de que la fiesta estaba en su apogeo. Qué banda tan cabrona los Awesome Color. Cabe mencionar que tienen un par de años de haberse formado. Al terminar la tocada compré su disco el cual no puedo dejar de escuchar y de ver pues el arte del librito está en la misma onda calidoscópica de su música.
Dinosaur Jr tardó poco más de una hora en subirse. Murph salió antes que los demás a ajustar sus tambores (cada banda traía su propia bataca) provocando la gritadera a lo que respondió sonriente con un gesto de “ahí vamos, no desesperen”. Después, cuando aparecieron J Mascis y Lou Barlow, todos estábamos vueltos locos grite y grite mientras que los dos músicos se instalaron con indiferencia, ni un gesto emotivo, lo cual se les perdona siendo verdaderas leyendas del rock underground. El show empezó con J dejando sonar los primeros acordes de “Freak Scene” con su hermosísima Fender Jazzmaster. La fiesta explotó cimbrando el centro de Austin con el más puro pop-noise. Los que estábamos más adelante pudimos sentir el aire expulsado por las seis bocinas Marshall que lucían re-bonitas arriba. Después siguieron con “Almost Ready”, rola que abre su más reciente disco. La voz se escuchaba muy baja y es que era difícil hacerse notar con tanta bocina.


El equipo de Lou también era aparatoso: una bocina gigante Vox, además de dos Marshall. Fue interesante ver a este trío de rockeros cuarentones armando un verdadero desmadre en un local mediano lleno de jóvenes. Tocaron más clásicos: “Forget the Swan” y “Repulsion”, además de otros temas de sus tres primeros discos que fueron los más significativos y en los que participó la alineación de esa noche, o sea la que le dio a Dinosaur sus mejores años. J se limitó a cantar, sólo dijo “gracias” un par de veces. Lou también andaba poco platicador con su clásica greña tapándole los ojos. Tocaron alrededor de 14 rolas, me hubiera gustado apuntar el orden pero no andaba en plan de periodista con libretita. También me hubiera gustado tomar mejores fotos pero mi cámara no da para más y la bola de cabrones adelante de mi estaba baile y baile, empuje y empuje, y era difícil sacar una buena toma. Cuando fui a comprar el cedé de Awesome Color me di cuenta que vendían tapones para los oídos. Y es que en un show de Dinosaur Jr sino te sangran los oídos, mínimo quedas medio sordo por las siguientes horas.

miércoles, 5 de diciembre de 2007

Pintura contemporánea: Julio Galán

Por Andrea Gon-Belt




Nostalgia con tintes pop, nacionalistas y pasionales con un toque extravagante: Julio Galán
originario de Muzquiz Coahuila, representa una especie de reforma artística en México, haciendo a un lado el matiz conservador de los pintores de la época o anteriores a esta, a excepción de Frida Kahlo con quien se le ha comparado en múltiples ocasiones por el carácter autobiográfico de su obra, representado el dolor; Frida el físico, Julio el emocional.

“Todo aquel que me compare con Frida Kahlo no conoce mi obra”

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El museo de arte contemporáneo MARCO a manera de homenaje, presenta: “Pensando en ti” de Julio Galán, mas de cien obras incluyendo (a parte de óleo), una serie de performances, fotografías y demás objetos personales.

Vale la pena ir a ver esta exposición, no solo como técnica si no también desde un punto de vista emocional, tal y como el lo quiso transmitir; les recomiendo ir con todo el tiempo del mundo, la exposición es bastante amplia y cada obra por simple que parezca contiene un mensaje donde deja clara su originalidad, lo cual requiere ver cada una con detenimiento.


Hoy 5 de Diciembre Julio Galán estaría cumpliendo 49 años, de regalo de cumpleaños vayan a Marco.

martes, 27 de noviembre de 2007

Hum – Stars (Video en vivo)

Esta banda de Champaign, Illinois, tuvo corta vida en los 90. Figuraron poco en el mainstream, apareciendo en MTV brevemente. Actualmente son desconocidos incluso en el underground. El reconocimiento que han recibido es poco habiendo compuesto verdaderas joyas del pop ruidoso, shoegaze, o como quieran llamarle. Este video en vivo muestra a una banda verdaderamente prendida, con guitarrazos y tamborazos tan fuertes como los de una buena banda de metal, manteniendo un sonido bonito a la vez, con la combinación de tonos suaves y esa voz dulce y tímida cantando sobre una chica que cuenta estrellas mientras espera el tren a Marte. Afortunados quienes hayan presenciado este show, actualmente no hay bandas que transmitan esa vibra. Vean el look de estos músicos, cero fashion, cero pretensiones. El vocalista se parece a Jarvis Cocker con esos lentes. Súbanle.
Video
Myspace

viernes, 23 de noviembre de 2007

Sobre el Free Jazz


Por: R. Vivas J

Me sigue pareciendo exageradamente fascinante la reacción de los demás cuando pongo un disco de free jazz, todo mundo pone cara de que estuviera escuchando el sonido mas monstruoso del planeta, olvídense de Slayer, Deicide, Cannibal Corpse, Pungent Stench o Bolt Thrower, hasta he visto compañeros de la oficina moviendo el pie o la cabeza al ritmo de Carcass!!), a mi me encantan las caras que mis amigos y compañeros ponen cuando escucho discos de Ornette Coleman, Eric Dolphy, Albert Ayler o Cecil Taylor, venga, el miedo no es obviamente al sonido, si no es a lo desconocido, a lo que no tiene limites, a lo que no tiene una forma definida, a lo que no se puede entender a la primera.

Y es que el free jazz empezó como la verdadera y primera anti música, el romper con lo ya pre establecido, porque sí, el jazz siempre pregonó la improvisación, pero esta era básicamente de sus solistas sobre una melodía tradicional, una costumbre adoptada por otros músicos, quienes sacan a relucir lo mejor de su técnica en una canción ya reconocida, lo cual es valido técnicamente, pero como forma de expresión es limitada, claro, bajo mi punto de vista.

El free jazz suponía una verdadera revolución musical que simplemente desplazaba aquellas canciones estándares en el jazz común y las sustituida por melodías complejas, improvisadas, llenas de energía que en ocasiones avanzaban de manera in tempestuosa, se frenaba de improvisto y después se reagrupaba para atacar furiosamente otra vez, los instrumentos eran un medio de expresión intensa, y los sonidos chocaban unos contra otros formándose masas de sonido abstracto.

En sus inicios definido como música energética, con un poder y arrastre tal (a pesar de estar bastante por fuera del mainstream) que el mismo Coltrane optó por tomar estos sonidos como influencia.

Gente como Sun Ra, quien llevaría el concepto del “free” a lo mas lejano, seguido de Don Cherry (quien musicalizaría películas de Jodorowsky) Pharoah Sanders (Quien acompañaría a gente como Sonny Sharrock y al mismo Coltrane), Gato Barbieri (en sus inicios) y Archie Shepp, quien se convertiría mas o menos en sucesor de las ideas de Coltrane, seguirían ese camino, otros como Miles Davis y Charles Mingus permanecerían paralelos al free jazz, tomando ideas y aportando, aunque sin sumergirse por completo.

El free jazz dejaría su huella en Europa, donde seria adoptado conceptualmente y re bautizado como Música de Improvisación Libre, y liderada por músicos como Evan Parker, Derek Bailey y Peter Brotzmann, quienes llevarían el concepto a extremos tremendos, como ejemplos habría que escuchar el Machine Gun de Brotzmann, el Topography of The Lungs de Parker y Bailey y otros mas, esta corriente tomaría tanta fuerza que el rebelde sonido llegaría hasta Asia, donde muchos lo llevarían aun mas al extremo.

Artistas modernos como John Zorn, Mike Patton, Keiji Haino y los Boredoms siguen con las bases del free jazz, aunque de manera conceptual, permitiéndose seguir creando música de manera libre y sin restricciones, valiéndose de elementos aun más emocionales que técnicos.

Innovación a mil por hora, en serio, se requirió mas coraje y valor para hacer esta música en los 60s, 70s y 80s, que el que se debió requerir para hacer punk o hardcore, por si fuera poco géneros como el punk, el metal, el hardcore y otros fueron domesticados y comercializados a mas no poder, mientras que géneros como el free jazz, la libre improvisación y la composición grupal instantánea y su probable descendiente el noise, siguen inmaculadamente anticomerciales y difícilmente podría esta música ser comercializada, convirtiéndose en el ejemplo ideal de la música independiente y no comercial

A mi por eso me gusta el free jazz.

viernes, 16 de noviembre de 2007

“El arte es solo una excusa”: Felipe Ehrenberg

Por Andrea Gon-Belt


Ayer el Colegio Civil, la Facultad de Artes Visuales y la Máquina arte contemporáneo inauguraron la exposición “Manchuria, visión periférica” de Felipe Ehrenberg, neologo mexicano; presentando dibujo, fotografía, pintura, escultura, collages, entre otro tipo de trabajos, ninguno de ellos parecidos entre si; agregando algunos detalles como un boleto por dos pesos para la reina de la primavera. Previo a la exhibición, Felipe junto con Guillermo Santamarina, el curador, dieron una platica, donde Ehrenberg explico que no necesariamente al ser originario de un país, el estilo en cuanto a arte tiene que estar definido o seguir un patrón; también mencionó que en la actualidad es común la imitación, alentando a los artistas a producir algo nuevo.

Felipe Ehrenberg, logra un sin numero de trabajos, a partir de hechos cotidianos; mismos que hacen su obra simple pero sumamente interesante.

Recomiendo ampliamente ir a verla en la Sala de Exposiciones Temporales del Colegio Civil.

miércoles, 14 de noviembre de 2007

Einstürzende Neubauten – Sabrina (Video)


Apenas estoy iniciándome en la música de esta banda de Berlín. Por ahí había escuchado de ellos, siempre como referencia clave de la música industrial. Descargué su disco “Silence is sexy” (titulazo). Yo esperaba una onda electrónica y ruidosa pero resultó ser un disco bastante tranquilo, experimental, hipnótico, con una voz grave y susurrante que por momentos me recordó a Leonard Cohen. Leí en wikipedia que empezaron en los 80 haciendo música con ruidos de herramientas y objetos de metal. También leí que algunos miembros han participado con artistas como Nick Cave. El video que les presento pertenece a la canción que abre el disco que menciono. Un tema seductor y oscuro que cualquiera que lo escuche por primera vez, querrá saber a quien pertenece. El video es surrealismo puro, de esas situaciones que sólo vemos en sueños delirantes.

Video
Myspace

lunes, 12 de noviembre de 2007

Boletos sin usar

Por Andrea Gon-Belt


Y entonces viene el Forum a Monterrey, se corre el rumor de que muchos eventos son totalmente gratuitos, que lo único que hay que hacer es entrar a una pagina, separar un máximo de ocho por persona y enseguida ir a recogerlos a tu Saharis mas cercano; Hasta ahí vamos bien. Ya para cuando se enteran los últimos (y ahí me incluyo) de esta “maravilla” era demasiado tarde, el sistema de boletos estaba agotado.

Después corre el segundo rumor: todos aquellos que por alguna razón no hayan alcanzado boleto favor de llegar quince minutos antes del evento, eso solo en caso de que personas con boleto no asistan.

Puede sonar a una mala organización por parte del Forum, que toda esa gente que no tiene boleto tiene que hacer largas filas para ver si es que puede pasar, rogándole al señor que algún distraído con boleto se haya olvidado del evento y poder ocupar su lugar. Y por otro lado, como es posible que como espectador, separes ocho boletos para cada uno de los eventos y luego no vallas.

Sin ir mas lejos, el otro día en la cafetería escuche que una persona le decía a otra “tu sabes quien es Fito Paez, tengo seis boletos para ese guey y no se ni quien es”. Aclaro que el concierto de Fito había sido unos días antes.

Sean tan amables de regalar sus boletos a tiempo, si están en la misma situación de este joven. Y también sean tan amables de no adquirir cosas sin saber de que se tratan.

domingo, 4 de noviembre de 2007

Hella - "The Things That People Do When They Think No One’s Looking" (Video)


Esta banda californiana destaca por su virtualismo y sus arriesgados experimentos llenos de ruido y psicodélia pesada. Un proyecto tan underground que no es fácil conseguir información sobre ellos. En su myspace dicen ser dos miembros mientras que en su sitio oficial destacan cinco integrantes. Le creo más a la información de su sitio oficial, que por cierto, es un espacio bastante interesante. No acostumbro visitar páginas oficiales de bandas porque muchas veces sus myspaces te dan toda la información necesaria. En el caso de Hella quedé encantado con la sencillez y originalidad de su web la cual ofrece canciones descargables, detalle que amerita muchos aplausos. Nos encontramos frente a una banda única en su género, con músicos de actitud anarquista, destacando unas percusiones esquizofrénicas y unas líneas de guitarra que se confunden entre el metal, el jazz y art noise. Han editado discos con Ipecac, el sello disquero de Mike Patton. Esta es una banda que realmente aporta una revolución en el rock. Para muestra les dejo un link de su video “The Things That People Do When They Think No One’s Looking” (Las cosas que la gente hace cuando piensa que nadie las está viendo), una oscura y asfixiante pesadilla que parece haber sido filmada en un manicomio.

Video
Sitio Oficial
Myspace

Die Art: Un cortometraje futurista de Christoph Große



Este cortometraje alemán nos lleva a un extraño universo lleno de especies flotantes con rasgos robóticos, cíclopes y arácnidos. Una silenciosa historia llevada a cabo en un futuro muy lejano. La música ambiental, una mezcla de IDM y música contemporánea, refuerza esta impecable obra del director Christoph Große.

Link del video (Vía Llámame Lola)

El arte de Vince Locke




Este reconocido ilustrador ha hecho muchas de las portadas de Cannibal Corpse. En su sitio tiene una sorprendente galería de arte gore que almacena escalofriantes pinturas y dibujos. Ultraviolencia, fetos estrangulados, zombies pervertidos, cadáveres podridos, son algunos de sus temas.

Sitio

miércoles, 24 de octubre de 2007

Mercromina – Chaqueta de pana (Video)

Provenientes de la agrupación Surfin’ Bichos, influencia clave del pop español de principios de los 90, Mercromina es una banda de culto que estuvo activa de 1995 al 2005, dejando una obra valiosa e inigualable para el mundo del rock underground. A través de sus diez años de existencia fueron definiendo un estilo muy particular, deshaciéndose poco a poco del sonido rockero de Surfin’ Bichos, hasta crear un pop ruidoso y melódico a la altura de bandas como Sonic Youth y My Bloody Valentine. No traspasaron fronteras como otras bandas españolas pero seguramente con el tiempo su legado irá ganando reconocimiento en otros países, especialmente ahora que el pop noise y el shoegaze se vuelven más populares. Sus letras están muy bien cuidadas tratando temas personales adornados con surrealismo. La voz dulce y susurrante de Joaquín Pascual ha sido ecualizada en la mayoría de los discos como un instrumento más entre capas de guitarras distorsionadas que la acompañan sin que acapare toda la atención. Tienen algunos temas acústicos como “En un mundo tan pequeño” que suena tan bonito y comercial que la primera vez que lo escuchas no puedes creer no haberlo escuchado antes. “Chaqueta de pana”, video que incluyo al final de este post, es el tema introductorio de su disco “Bingo”, lanzado en el 2002. No encontré ningún myspace de ellos, ni siquiera uno administrado por fans, pero les dejo el de Travolta, el nuevo proyecto de Joaquín Pascual. Y no olviden ver el video.

martes, 16 de octubre de 2007

Kudgel


Le agradezco plenamente a Myspace por darme la oportunidad de conocer verdaderas joyas del underground como Kudgel, legendaria banda de Boston que empezó a finales de los 80. En la actualidad siguen siendo tan desconocidos que ni en wikipedia puedes encontrar información de ellos. Su propio líder, cantante y fundador, Mark Erdody, escribió una modesta biografía que copió tanto en su página oficial como en su myspace. Narra la historia de su banda con una simpleza y cotidianidad que cualquiera puede identificarse. Y es que Kudgel siempre se ha mantenido alejado del mainstream con miembros que son músicos principiantes o que no han tocado un instrumento en años. Tratándose de una banda con una larga trayectoria esperarías que tuvieran miles de amigos en myspace, lo cual es negativo. O son una banda demasiado anti-social o de plano ignoran como aceptar peticiones por myspace.
Al ver sus fotos no podía creer que unos cuarentones siguieran haciendo música tan ruidosa. Tocan una especie de garage-punk con tintes de art-noise y shoegaze, saliendo a relucir esa voz gritona y rasgada. Suena tan adolescente que no la relacionarías con ese cantante maduro y calvo. Esto es un hardcore enfermizo, bipolar, aparentemente agresivo pero inofensivo en el fondo. Es bueno que las generaciones maduras mantengan su actitud punk y que bandas como Kudgel sigan vigentes por debajo del agua. Visiten su myspace y denle play a esas tres rolas. Correrán el riesgo de contagiarse de locura y anarquía. Yo casi ahorco a una compañera de la oficina.
Myspace

jueves, 11 de octubre de 2007

Holy Fuck


Este grupo canadiense pone el ejemplo de que la improvisación es un poderoso recurso para componer. Y es que cuando se juntan buenos músicos con ideas estrafalarias y aparatos inusuales a su disposición, el resultado es caótico. No es fácil describir su música. Una referencia acertada sería compararlos con Silver Apples, banda experimental-progresiva que a finales de los sesenta hizo temblar al mundo con su psicodélia de vanguardia. Así son los Holy Fuck, virtuosos y perturbados, rompiendo los huevos de cualquier propuesta indie de moda. Pocas bandas salen de gira con un montón de ideas para desarrollar en vivo y luego se dan el lujo de regresar al estudio para grabar lo que se les ocurrió durante sus shows. No sé si sea válido el término “power-noise-idm”, pero les queda re-bien. Escucharlos es una experiencia espectacular.
Myspace

lunes, 1 de octubre de 2007

Boards of Canada - Dayvan Cowboy (Video)



Boards of Canada es un dúo escocés de música IDM. Son uno de los exponentes más importantes del género. Su música se caracteriza por ser down tempo, ambient, agradablemente psicodélica. Empezaron a finales de los ochenta y actualmente son un proyecto de culto perteneciente al prestigiado sello Warp Records. El video de “Dayvan Cowboy”, tema de su último LP “The Campfire Headphase”, es una bella obra audiovisual que recopila imágenes de antiguos documentales relacionados con el espacio aéreo y el océano. Esa mezcla de aire y agua le viene como anillo al dedo a esta pieza instrumental que como muchas otras del dúo, te hacen imaginar atmósferas frescas y ensoñadoras. Este es su primer video oficial.

Myspace

sábado, 29 de septiembre de 2007

Moldes



Moldes es un trío peruano que me agregó al myspace hace unos días. Escucharlos fue llevarme otra sorpresa shoegazera latinoamericana. Al parecer es un proyecto nuevo, saliendo a penas de las entrañas underground de sus hogares. Su myspace revela muy poco sobre ellos, lo cual marca más su concepto shoegaze con esa timidez característica del estilo. Sugiero poner atención a su canción “Tres malade”, pop dulce y ruidoso que une voces masculinas y femeninas en tonos susurrantes. Dedicarles un post habiendo escuchado sólo tres canciones de ellos podría parecer exagerado, pero no lo pensé dos veces, esta es la clase de proyectos que me conmueven y que me dan ganas de enseñarle a todo el mundo.

Myspace

Aquellos empaques para vinyles



Abajo pongo el link de un sitio recomendado para amantes de los vinyles y el diseño gráfico retro. Es una galería de esos empaques con discos de 45” que incluían pocas canciones. Eran los singles de aquella época. Es admirable la sencillez de sus diseños, los colores nostálgicos y ese almacenamiento de la cultura musical. No se pierdan la exquisita selección del sitio.

Link

lunes, 24 de septiembre de 2007

Compilación de las bibliotecas más hermosas del mundo


No soy bibliófilo pero esta muestra fotográfica de bibliotecas me parece realmente encantadora. Imaginen visitar la de la foto, ¿no les daría muchas ganas de leer estando ahí? Vaya que ha de haber libros interesantes en la Biblioteca George Peavody en Baltimore, EUA. Estoy de acuerdo con los compiladores de estas fotos tan bellas: no hay nada más mágico que una antigua biblioteca.

Link

sábado, 22 de septiembre de 2007

Manu Chao - La Radiolina (2007)



Nunca había tenido un disco de Manu Chao. Acabo de bajar este sin haber escuchado algún sencillo. Desde hace tiempo había llamado mi atención este músico multilingüe, también multi-rítmico. Los 21 tracks de “La Radiolina” son tal cual una programación exótica de lo que sería una estación de radio personal de este compositor Francés cuyas ideologías políticas se expresan libremente en una transmisión explosiva que si no te pone a bailar, te pone a mover un pie o la cabeza. Personalmente no me gusta la mezcla de política y música. Aún así estoy encantado con la excesiva creatividad musical de este disco. Cumbia, reggae, punk y muchos otros estilos que ni si quiera conozco de nombre, son las formas que las canciones van tomando a lo largo de esta emisión extravagante. Un disco para tocarse completo en cualquier pachanga. Rockeros y ravers, escuchen esto por cultura general.

Myspace

sábado, 15 de septiembre de 2007

The Radio Dept. - The Worst Taste In Music (Video)




The Radio Dept es una banda escandinava que actualmente está conquistando al mundo con su pop shoegazer. Forma parte de la nueva generación de bandas suecas junto a The Legends, Club 8, Sambassadeur, entre otras. Su sonido podría relacionarse con el pop sencillo de New Order y con el ruido hermoso de My Bloody Valentine. “The worst taste in music” (“El peor gusto en música”) es un tema incluido en su último LP “Pet grief”, uno de los discos más bonitos de los últimos años.



Myspace

jueves, 13 de septiembre de 2007

Smashing Pumpkins - Rocket (Video)

Les comparto este video ahora que Smashing Pumpkins se volvió a poner de moda. Sólo he escuchado una rola del disco nuevo. No esta nada mal. “Rocket” fue uno de los sencillos de “Siamese Dream” en 1993. Es el mejor disco de esta banda, según yo.

El mató a un policía motorizado


La mayoría de las bandas que me atraen por sus nombres resultan malas. No es el caso de El Mató A Un Policía Motorizado. Difícil ignorarlos. Tuve buenas referencias de ellos por parte de este myspace que promociona una compilación de bandas indie latinoamericanas llamada “Porque este océano es el tuyo, es el mío” que incluye a Javiera Mena, Gepe, Modular, entre otras jóvenes promesas.
Me bastó escuchar las cuatro canciones de su perfil para dedicarles un post. Con influencias de Pavement, Sonic Youth, Jesus and Mary Chain, esta banda argentina es parte del regreso de ese sonido shoegazero que apareció a finales de los ochenta, principio de los noventa. Sus canciones son sencillas, ruidosas, sin tanta producción, con voces descuidadas y tienen ese encanto underground que pocas bandas pueden presumir. El espíritu shoegazer se manifiesta en Sudamérica.

Myspace

jueves, 30 de agosto de 2007

Lemonheads – Two weeks in Australia (1993) (Video VHS)

Casualmente encontré este documental hace casi 10 años en los puestos de Reforma en Monterrey. Recuerdo haberme emocionado mucho al verlo junto a otros videos piratas. No me lo esperaba. Jamás había escuchado hablar de él. Actualmente lo poco que puedes encontrar en internet son un par de reseñas y una que otra venta de subasta, algunas de ellas en japonés.
Es raro que este documental no haya trascendido tanto. En primer lugar, su director Jesse Peretz (ex bajista de Lemonheads, por cierto) es un videoasta reconocido que ha dirigido videoclips de Foo Fighters, The Breeders, Nada Surf. Ha hecho comerciales de marcas importantes además de un par de películas. Por otro lado, este trabajo muestra los mejores días de Lemonheads. En aquel entonces eran una banda underground con éxito internacional y a Evan Dando le sobraba capacidad para crear excelentes canciones pop. Además aquí se capta una parte de la gira en la que promocionaron su trabajo más importante “It’s a shame about Ray”, un disco power pop por excelencia que equilibró su sonido explosivo con un par de baladas indie-folk que nos robaron el corazón a muchos adolescentes a principios de los noventa.
Intimo y divertido, el documental nos muestra imágenes grabadas por cámaras caseras captando muchos momentos de la banda siendo adorada en Australia, dando conciertos y shows acústicos en tiendas de discos, universidades, en la playa e incluso en alguna sala de televisión con niños escandalosos. También incluye los videosclips de los sencillos de “It’s a shame about Ray” dirigidos por Peretz; una que otra entrevista a cada miembro de la banda, saliendo a relucir las pláticas de Dando, en aquel entonces con 26 años, hablando de como conoció a Juliana Hatfield, bajista de la banda por corto tiempo; hablando también de su gusto por tirarse al suelo repentinamente, hábito que lo relajaba y que incluso la cámara llegó a registrar mientras se dejaba caer en pasillos de aeropuertos y centros comerciales.
Mis partes favoritas son esas versiones acústicas de “It’s about time” y “Being around”, rolas que vendrían en su siguiente disco “Come on feel The Lemonheads”, su otra obra importante que marcó el final de la cúspide de esta banda de Boston.
Después de este disco, el bajista y el baterista le dejaron todo el paquete a Evan Dando quién ya abusaba de drogas fuertes, degradándose un poco, yendo al punto de no poder articular palabras durante las entrevistas. En 1996 se reformó un poco al juntarse con John Strohm y Murph (Dinosaur Jr). Le ayudaron a grabar “Car Button Cloth” disco con poco éxito que dejó a The Lemonheads estancados por diez años. Sin tomar en cuenta la compilación de éxitos lanzada en 1998, no volvieron a sacar nada hasta el 2006, un disco homónimo con un sabor tan nostálgico que no tiene nada que ver con las tendencias de moda.

sábado, 25 de agosto de 2007

Radiohead – The Bends (1995)



Producido por John Leckie, quién también produjo a Pink Floyd, The Stones Roses y The Fall, “The Bends” es el segundo disco de Radiohead, una obra que apuntó hacia al futuro y dejó ver el sonido innovador que traería “Ok Computer” y “Kid A”, los discos más elogiados de esta banda inglesa.
“The Bends” salió en la época en la que el rock británico gozó de auge mundial con bandas como Oasis, Pulp y Blur. Alejados de esas tendencias, Radiohead se arriesgó a sacar este álbum con la presión de mantener el éxito que tuvieron con “Creep” en su anterior y primer álbum “Pablo Honey”. Compusieron canciones de rock depresivo como “Fake Plastic Trees”, “High & Dry”, “Bullet Proof.. I wish I was” y temas más experimentales como “My Iron Lung”, “Just” y “Planet Telex”. El grupo empezó a adquirir un estilo más intelectual en cuanto a concepto, tratando temas en tonos surrealistas y poéticos, tocando ese lado moderno de la humanidad de 1995.
Hace mucho leí que uno de los miembros de Radiohead había descrito a este disco como "la sensación de que algo está mal". Y es que es inevitable sentir ese aire depresivo, por no decir pesimista. “Fake Plastic Trees” es uno de los temas más tristes escritos en la historia del rock. Esa guitarra acústica hizo de esta canción una obra de lo que yo llamo “neo folk de los noventas”.
Por ahí leí una frase acerca de este álbum que decía más o menos así: “si no hubiera sido por discos como “The Bends”, actualmente no existirían bandas como Coldplay”. Muy cierto.

jueves, 16 de agosto de 2007

Samael - Ceremony of the opposites (1994)




La década de los noventa fue clave para la evolución del metal. Bandas de doom y de black empezaron a armar su música con recursos no usados antes: sintetizadores, cuerdas, samplers. “Ceremony of the opposites” fue un disco que marcó esta evolución. Samael ya no estaba conforme con la clásica formula black metalera y se dedicó a componer temas más ambiciosos en cuanto a producción, calidad y concepto. Fue una sorpresa para muchos que este grupo se volviera industrial. En mi opinión este disco es el mejor momento de la carrera de esta banda sueca. Aquí nos preparan el ambiente de sus futuros trabajos como su LP “Passage”, lanzado dos años después que el de “Ceremony of the opposites”. El concepto de la banda también evolucionó y a partir de este disco se enfocaron en tratar temas espirituales y filosóficos. Ese diseño en el disco del símbolo del “Ying Yang” mezclado con serpientes agresivas, define muy bien el discurso que Samael ofrecía en ese entonces. Canciones como "Celebration of the Fourth", “Son of Earth” representan esa parte de su concepto basado en filosofías universales que mezclaron con su ambiente tenebroso y satánico. Mi favorita es “Baphomet’s Throne” con su arreglo de cuerdas que le da un toque brutalmente elegante.

Sitio oficial

miércoles, 8 de agosto de 2007

Ninetynine, Piyama Party y Pretzel en el Garage este viernes 10 de agosto


"En 1995, Laura MacFarlane dejó de tocar la batería en Sleater-Kinney, marchó a su Melbourne natal y fundó este nuevo proyecto. Desde entonces, y hasta la fecha, han publicado 4 álbumes y una infinidad de singles y apariciones en recopilatorios de sellos varios, consiguiendo un buen número de seguidores alrededor de todo el mundo y girando por los cinco continentes.

Ninetynine combinan algunas facetas del libro de estilo del indie rock con un especial énfasis en la percusión (xilófonos, vibráfonos...) y diversas capas de teclado casio, creando un estilo peculiar y único que los lleva en ocasiones a los momentos mágicos e hipnóticos de Pram o, incluso, Stereolab.

El directo del grupo es una experiencia imprescindible para entender a Ninetynine. El continuo intercambio de posiciones e instrumentos entre los miembros de la formación deja ver la versatilidad y apertura de miras de su propuesta. Guitarras, bajos, batería, teclados, vibráfonos, xilófonos y viola pueden ser tocados por todos en una misma puesta en escena, creando multiples texturas que van de la desnudez a la intensidad más descarnada.

Esta continua huida de convencionalismos hace que la propuesta única de Ninetynine brille con luz propia en la vanguardia de la escena independiente mundial".


Ninetynine
Piyama Party
Pretzel

jueves, 2 de agosto de 2007

Kid Houdini Disco 1 (Compilado y comic)





A poco tiempo de que Action Grrrl Comics lance la compilación-tributo a bandas españolas “Recítame un poema mejicano” hago una revisión del acoplado (con comic incluido) que lanzaron en el 2005, “Kid Houdini”, un disco con 23 temas. Es una exquisita selección de música pop underground internacional.



01 Superguay – Todo lo puedes lograr (México): el disco abre con este bonito tema twee pop que te pone de humor simple como el estado que consigues cuando vas por la tercera cerveza.

02 Abeja – Si te vas (México): ponte overol y sombrero para pasear por el campo escuchando este tema folki. Guitarras acústicas, voces dulces, ritmos como galope de caballo y una letra sobre la partida de alguien muy querido. Incluye una charla con Satanás.

03 Javiera Mena – Sol de invierno (Chile): otra canción para salirte al campo pero con sueter y gorrito. Te ambienta un día frío y soleado, con una luz preciosa y melancólica. Un tema con piano, guitarra acústica y una de las voces jóvenes femeninas más hermosas del underground actual.


04 Índigo – El azul del verano (España): más pop suave con voces femeninas y masculinas cantando sobre simplicidades de la vida. Hasta ahora el tema más cursi del disco.

05 Ventilader – Uno (México): no es que sean aguafiestas, pero estos Ventilader vienen a quitar el ambiente feliz y enamoradizo que se sentía. Un hermoso tema inditrónico y shoegaze.

06 Cuberbil – Hojas simultáneas (México): es notable su amor por el pop. Muchos ruiditos sintetizados, melodías triste-alegres, electro-beats y una bonita voz arman este track low-fi futurista.

07 Que Out – Esto es que out (Argentina): super divertidos y burlones. Precisamente es el proyecto más out de esta compilación. Electro-pop sudamericano para antros gays. Una joyita del underground.

08 Evil Hippie – Roller Boogie (México): este tema es una muestra de que el stoner-pop existe. Pónganse groovies.

09 Pestaña – Con premeditación (Perú): este sería el tercer tema electro en línea. Una especie bizarra de electro-pop-darky. Imagino gente bailando como loca en el antro.

10 Delicado Sónico – Sugus (México): ya he escuchado muchas veces esta canción y hasta ahora me doy cuenta que realmente es un tributo a ese dulce chicloso llamado “Sugus”, una golosina mexicana que ha dañado los dientes de varias generaciones de niños.

11 Electroboy/Whiplash – Feeling noise (Colombia): tema en inglés en la onda electro-punk discotequera. ¡A bailar como en los ochentas!

12 Dixibait – Días tontos y grises (México): pop exagerado y buena onda. La misma letra trata sobre un estilo de vida pop. Otro tema electro que compite con proyectos del tipo de Maria Daniela y Su Sonido Lasser.

13 She’s a Tease – Long time roll (México): otra canción stoner y la única del compilado en la onda lounge. Quizá esté más out que la de Que Out. Re-buena.

14 Viva Las Vegas – Descanso (España): otro tema depresivo, serio, con arpegios de guitarra y ritmos lentos. Para agachar la cabeza y maldecir inofensivamente.

15 Flow – Un verano abstracto (España): estos es power pop que esperaría escuchar en la radio. Es uno de esos temas para ligar chicas cool. Un poco melancólico.

16 Payola – La promesa (México): será que se me quedó el sabor cursi de la canción anterior pero estos Payolas realmente podrían estar en la línea pop de Flow. Esta canción esperaría escucharla en una de esas estaciones ExaFm.

17 Chikita Violenta – Turnaround (México): qué bonito tema. Desde su breve intro ruidoso hasta sus coros ensoñadores, semi-shogazes, powerpopezcos. Una canción para fajar y hacer cositas en pareja.

18 Pretzel* – Positronico (México): powerpop, powerpop, powerpop. No evitaras patear algo y reírte. Rock con guitarras y sintetizadores. Suenan un poco a sus paisanos Niña. Divertidos.

19 Elepé – Para ellos los grandes (México): esto es una mezcla de garage y nostalgia ochentera. Es como un encuentro entre Cindy Lauper y Shonen Knife.

20 Los Fancy Free – Never give in (México): Los Fancy Free tocan tan bien que deberían irse de gira con bandas comerciales de su mismo estilo: Franz Ferdinand, The Raveonnettes, The Strokes. Una muestra de que el underground mexicano tiene muchos huevos.

21 Fake Romeo – Today’s show theme (México): empieza como una linda balada y se transforma en un tema oscuro, ruidoso, recordándonos lo misterioso de The Doors y lo taciturno de Joy Division.

22 Migala – El tigre que hay en ti (España): uno de los platos fuertes de la disquera Acuarela. Migala participa en este compilado con un track experimental, usando samplers entre capas de guitarras ruidosas y un ambiente explosivo que coquetea en plan psicodélico.

23 Los Desechos – Maribel (Bonus track) (España): nada como un buen track sorpresa como este, cuyo mayor atractivo es ese aire punketo low-fi que explota y contagia de júbilo.

(Comprar CD en Indielife)

domingo, 29 de julio de 2007

Lo que faltaba: una revista para necrófilos.





Girls and Corpses
(Chicas y Cadáveres) es una revista del tipo de Maxim y esas que muestran fotos de chicas semidesnudas, con la peculiaridad de que en esta las modelos aparecen acompañadas de cadáveres podridos.
Menos mal que mantienen su género softcore porque de volverse hardcore no quiero imaginarme la clase de fotos que mostraría.
La mezcla de la cultura pop con la cultura gore da un resultado bastante bizarro pero macabramente divertido.
En esta publicación virtual puedes encontrar interesantes artículos como "Las reglas de etiqueta en los funerales" y anti-publicidad como el anuncio del libro "Necrofilia para dummies". Link

viernes, 27 de julio de 2007

El Bugs que no conocíamos


Por Andrea Gon-Belt.

No hay quien no sepa quien es Bugs Bunny o Serapio, como es llamado el conejo gris y flaco en algunos países hispanohablantes; sin duda la estrella de los Looney Tunes que desde 1938 llega al mundo para hacer reír a grandes y a pequeños.

Escapando de Elmer el temido cazador, es así como comúnmente se le ve a Bugs, que con la parcimonia que lo caracteriza sale victorioso en cada uno de los episodios, en ocasiones acompañado del Pato Lucas, otro personaje clave de la Warner Brothers.

Más de una vez se ha comentado su posible homosexualidad, algunos sugieren recordar que Bugs Bunny, sale a principios de la Segunda Guerra Mundial, tiempo en el que Estados Unidos mandaba tropas al Pacifico, junto con una gran lista de mujeres para mantener “entretenidos” a los soldados. De pronto cae la economía y dejan de ir mujeres a bordo, lo que causa múltiples casos de homosexualidad, poco tiempo después aparece el personaje, con una especial atracción por Elmer Gruñón, en el inicio de esta serie animada.



Kubrick y el “resplandor” del cine.

Por Andrea Gon-Belt.


Ayer 26 de Julio, cumpliría años Stanley Kubrick. Nació en 1928 en un barrio del Bronx de Nueva York. Un niño de malas notas que pasaba horas tomando fotografías con una cámara Gaflex, regalo de sus padres en uno de sus cumpleaños. Se distinguía por ser bueno en ajedrez y en la música, mostró afición por el jazz e incluso llego a tocar la batería. El propio gusto lo llevo años mas tarde a prescindir de compositor, escogiendo personalmente piezas musicales que el consideraba adecuadas para sus películas.

Participó en la revista “Look” de Nueva York haciendo reportajes fotográficos; lo que sirvió para cultivar una reputación profesional y darle forma a su carrera como director. Un buen día deja Look y decide dedicarse de lleno al cine, teniendo como influencia a Max Ophuls y Serguei Eisenstein. Empieza a hacer cortometrajes como “Day of the fight” en el ´51, una serie de fotografías de su autoría de una pelea de boxeo, que habían sido publicadas en Look, “Flying Padre” durante el cual adquiere el titulo de piloto aviador, confesando más tarde su miedo a las alturas y “The Seafarers” su despedida a los cortometrajes y la bienvenida al trabajo en color.

Y entonces empiezan los largometrajes, “Fear and Desire” en 1953 del cual decidió desaparecer todas las copias que se atravesaran en su camino ya que lo consideraba “error de juventud”. Más tarde “Killer´s kiss” (El beso del asesino), que narra la historia de un boxeador que conoce a la mujer ideal cuyo único defecto era que estaba casada con un mafioso. En la cinta Ruth Sobotka hace el papel de aquella mujer, que mas tarde se convertiría en la segunda esposa de Stanley. "El beso del asesino" logro sobresalir, llegando a James B. Harris, en ese entonces productor de la NBC, quien decidió asociarse con Kubrick formando una productora de donde surge “The Killing” (Atraco Perfecto) en el ´56, partiendo de la novela de Lionel White donde se cuenta el atraco a un hipódromo.

A partir de "The Killing", queda establecido “El pensamiento kubrickiano” : la lucha del antihéroe que enfrenta al mundo y termina derrotado.

Durante su asociación con Harris, son contratados para filmar cinco películas para Hollywood, siendo la primera “Paths of Glory” (Senderos de Gloria) logrando controversia con el mensaje antibelicista que proponía la cinta, lo que causo que en Francia estuviera prohibida durante varias décadas. En el rodaje de la película conoce a Suzanne Christianne, su tercera y última esposa.

“Espartaco” en 1960, un éxito comercial, que gana tres premios de la Academia; ninguno de estos para Kubrick. Dos años más tarde, después de suplicarle a Vladimir Nabokov que le vendiera los derechos de su novela, llega a la pantalla grande “Lolita” sin duda uno de los mayores escandalos para Stanley, que contraproducente para los párrocos que exhortaron a no verla, la cinta fue un rotundo éxito, que hasta la fecha sigue en listas de los largometrajes más vistos.


Para quienes no la hayan visto (malamente), trata de un soltero de cuarenta y tantos que se enamora de una niña de catorce años y para acercarse a ella, se casa con la madre a la cual después desaparece de la historia.
Tras el resultado de Lolita, Kubrick se separa de Harris y lanza “Dr. Strangelove or how I learned to stop worrying and love the bomb” en el ´64 “Telefono rojo, volamos hacia Moscu” como fue traducida al español, una comedia de humor negro que aborda la Guerra Fria y el conflicto atómico. Estados Unidos no estuvo de acuerdo con la critica que se hacia su sistema de defensa, por lo tanto Kubrick decide no volver a su tierra natal, estableciéndose en Inglaterra.

En 1968 cuando la ciencia ficción en el cine había decaído, Kubrick lanza “2001: A Space Odyssey” (2001: una odisea del espacio) y dignifica el genero, con efectos especiales nunca antes vistos por parte de Douglas Trumbull. La cinta narra la evolución de la raza humana y los frecuentes cuestionamientos sobre la muerte, la soledad, entre otros. Un año más tarde Kubrick obtiene su único Oscar a titulo personal por esta obra.


Para 1970 empieza a trabajar en uno de los clásicos del cine: “Naranja Mecánica” originalmente de Anthony Burgess, que trata de un joven aficionado a la violencia y a Beethoven. Un año después estuvo listo el largometraje, impresionando al espectador con imágenes crudas y sumamente realistas de actos de vandalismo, lo que causo que Kubrick recibiera amenazas fuertes y se recluyera durante un tiempo. Mientras tanto la difusión de la cinta estuvo prohibida.

Varios años después, Stanley regresa al cine con “Barry Lyndon” historia de la caída de un joven en Europa del siglo XVIII; Después de haber abandonado el cine tras tantos escándalos, los críticos la catalogaron como aburrida y tediosa; a pesar de esto para Kubrick fue una de sus mejores cintas.

Pronto puso en pie su reputación ante las criticas con “The Shining” (El resplandor) en 1980, aunque Stephen King autor de la novela, no estuvo de acuerdo con la versión que se hacia de esta en la pantalla grande, para los demás es sin duda una de las mejores películas de terror en la historia del cine, gran parte de esto se debe a la magnifica actuación de Jack Nicholson.

Siete largos años pasaron para que Kubrick lanzara “Full Metal Jacket” (La chaqueta metálica), de nuevo algo que hacia reflexionar y cambiaria la opinión de muchos sobre la Guerra de Vietnam; a partir de esto Stanley fue considerado “director de culto”.

Ya para 1999, Kubrick basándose en la novela “Traumnovelle” de Arthur Schnitzler, empieza el rodaje de “Eyes Wide Shut” (Ojos bien cerrados), días mas tarde de acabar de montarla, Kubrick fallece en Londres de un ataque al corazón.


Se puede decir que sus películas eran adelantadas a la época en que fueron realizadas. De cierta forma Kubrick introdujo “la libertad de expresión” en el cine. Lo que en aquellos años estuvo censurado, actualmente es considerado “clásico” por consiguiente Stanley se acomoda entre uno de los mejores directores.

miércoles, 25 de julio de 2007

Top Models – To the maximum (2006)



Soy de los que critican bandas cuyo primer idioma es el español (o castellano) pero usan letras en inglés. Al igual que muchos repruebo ese afán de querer sonar “internacionales” usando el lenguaje que domina el mundo. Honestamente creo que ese recurso no ayuda a entrar a mercados globales, al contrario, hacen que las canciones en inglés se multipliquen volviéndolas innecesarias. Quiero que alguien me dé un ejemplo de alguna banda mexicana o argentina o chilena o española o peruana que haya triunfado en Estados Unidos o Inglaterra por sus ingeniosos temas cantados totalmente en inglés.

Por otro lado, después de haber escuchado este disco de Top Models, banda española, tuve que admitir que ellos sí me gustaron aún con sus letras en ese idioma. No creo que su intención sea formar parte de mercados internacionales. Bueno, sabrá Dios cual sea su objetivo al usar el inglés. De lo que sí estoy seguro es que sus temas suenan más divertidos al ser cantados con una pronunciación horrible. De pronto me dan la impresión de que están haciendo covers de alguna banda gringa o británica desconocida que tiene montones de hits covereables. El secreto de Top Models debe ser la talentosa forma de componer y la habilidad para usar palabras adecuadas en canciones que les corresponden.

Su estilo es el rock en su forma más pura. Mucho blues, garage, algo de punk y pop. Todas las canciones de este disco suenan a sencillos que podrían volverse clásicos y que tumbarían puestos en los tops de rock. Sus mismos títulos lo sugieren: “Be the light”, “Death of the Blues”, “Sugar baby, evil city”, “Kangaroo”, por mencionar algunos. “No fue un sueño” es el único tema en español, una verdadera muestra de powerpop que contribuye de manera valiosa al mundo del rock cantado en este idioma.

Quizá los Top Models no gocen de tremendo éxito mundial (lo cual no creo que sea su intención) pero sí se han ganado el corazón de un melómano mamón como yo que difícilmente digiere bandas que cantan en inglés aunque este no sea su idioma.

Myspace

jueves, 19 de julio de 2007

“Granma”: Periodismo Cubano

Por Andrea Gon-Belt.

Desde hace 42 años los cubanos leen el “Granma”, una fábrica de ideas según Castro o un montón de papel con las mismas “buenas noticias”, según opina una buena parte del pueblo.

Todo empieza en 1956 en el Puerto de Veracruz, México. Fidel frente al “Granma” por primera vez: Un yate con capacidad para ocho personas pero en muy malas condiciones. Antonio del Conde, dueño de una tienda de armas, era el propietario. Decide arreglarlo para acompañar a Castro en su aventura con destino a Cuba, con el fin de derrocar al gobierno de Fulgencio Batista, en ese entonces presidente de la Republica Cubana. Cuando estuvo listo, Fidel entonces exiliado, tenia ya a ochenta y dos “rebeldes” esperando la salida del famoso barco junto con trescientas armas. De Tuxpan a Cuba disminuyó dramáticamente a doce pasajeros, entre ellos Antonio del Conde “El cuate”, Ernesto “El Che” Guevara, Raúl y Fidel Castro, entre otros.

De ahí surge el nombre del Órgano Oficial del Comité Central del Partido Comunista de Cuba: Granma; que a partir del 4 de octubre del ´65 es el único medio de comunicación impreso, además de la revista “Juventud Rebelde” , que circula en la Isla, donde no es excusa la falta de recursos para adquirirlo, su distribución es gratuita para los ciudadanos, podrá faltar comida pero el Granma estará día a día en la puerta de todos los cubanos.

Tierra Comunista, Periódico Contento

Cualquiera, siendo ajeno a Cuba diría que el Granma, es uno de los periódicos mas completos, sin duda el nivel cultural de sus habitantes puede dejar maravillado a mas de uno, por lo tanto podríamos llegar a creer ciegamente que los medios de comunicación ofrecen la mayor y mejor calidad; Al toparnos con él (en mi caso, por medio del Internet), las secciones que maneja, incluso el apartado de Fidel Castro se hacen tan atractivas, que acabas leyendo el total de la publicación diaria en una sola sentada. Ofrece una amplia gama de apartados para todo tipo de lector, desde Arte, Ciencia, Deportes, Política Nacional e incluso Internacional, a pesar de lo bien sabido que es la enemistad de Cuba con unos cuantos.

Al leer el Granma podemos pensar que como Cuba no hay dos, cuando mucho habrá dos malas noticias que no pasan a mayores, de ahí en más todo es paz con titulares como “El progreso de Cuba” y entonces nos preguntamos ¿por qué hay tantos cubanos en el extranjero? Siendo que en su país, según el diario, todo va muy bien.


Las respuestas a todas las posibles interrogantes que nos llegáramos hacer nunca aparecerán en el Granma, cada uno de los que colaboran ahí son miembros del Gobierno. Obviamente Castro maneja la mayor parte de este, por lo tanto la presumida “libertad de expresión” es casi un mito. Esta claro que no todos los ciudadanos aprueban a su mandatario, valiéndonos de esto se puede entender el porqué de la exclusividad de los colaboradores del medio. Nadie que vaya en contra de los ideales comunistas tiene derecho a participar, ni siquiera en el apartado de “cartas” sería posible. Basta decir que para saber el origen del periódico, hay que buscar en más de diez sitios que cuentan “la verdadera historia”, muchos de estos publicados por cubanos establecidos en cualquier parte del mundo, menos su lugar de nacimiento. El Granma sólo cuenta con un breve relato, en respuesta a una carta enviada por una mexicana de nombre Grisel, donde explican el origen del nombre, todo como si la aventura en aquel barco hubiera sido un acto heroico, eso sin mencionar que debido a ese “movimiento rebelde” fallecieron más de sesenta personas que sobrepoblaban la embarcación.

Aunque el Granma es considerado “la libertad de Cuba”, es el resultado de la fusión de tres periódicos “El mundo”, “Hoy” y “Revolución” que circulaban durante la dictadura de Batista. No es más que un medio informativo hecho en su totalidad al gusto de Fidel y sus seguidores.

Para fines prácticos, leer el Granma después de un mal día puede resultar alentador y mas sabiendo que como extranjero el costo del periódico es de 1 peso cubano, equivalente a 15 centavos de pesos mexicanos.



Sitio Oficial del Granma

miércoles, 18 de julio de 2007

Mi Velvet Favorito

Por: You Are A Ghost


Me es fácil decir cual es mi Beach Boy favorito, obvio Brian Wilson, el genio creador de discos inolvidables como el The Beach Boys Today!, el Pet Sounds y el mítico Smile, uno de los músicos mas innovadores de los 60s, puedo decir en segundos mi Beatle favorito, Paul McCartney, quien fue el mas osado experimentador con los Beatles, Eleanor Rigby, Helter Skelter, Penny Lane y otras joyitas las escribió el, si quizás Lennon hacia mejores “hits” pero Paul era el que se atrevía a hacer cosas diferentes, que ya luego de la ruptura de los Beatles se volviera un ñoño, esa ya es otra historia, también puedo decir que de los Pink Floyd, mi favorito es Syd Barrett y de los Can, Damo Suzuki, pero a ver, de los Velvet Underground quien es mi favorito?

Eso si esta mas difícil.

Veamos, primero esta Lou Reed, heredero y contemporáneo de los ímpetus literarios de gente como Bob Dylan, Leonard Cohen o Jim Morrison, de alguna manera Reed era una mezcla de la poesía de Dylan con el rock n roll de Chuck Berry, agréguenle a eso algo del espíritu callejero de los escritores beat y el salvajismo de gente como Ornette Coleman y mas o menos tienen la idea del figuron que era Reed, de los primeros escritores de rock en tomar verdaderamente el camino salvaje y tocar sin pena temas como el sexo, las drogas, etc. Reed a su vez seria de suma influencia para otros músicos como el mismo Morrison, Iggy Pop, Jonathan Richman, David Bowie, Rik Ocasek y otros, todo ello gracias a sus acertadas aportaciones con los Velvet Underground, Reed no solo aportaba sus trascendentales letras, además aportaba ruidosísimas y bizarras líneas de guitarra mas acordes al free jazz que al rock n roll, denle una escuchada a I Heard her Call My Name del aplastante White Light/White Heat, el futuro de la guitarra eléctrica se escribió ahí, además de esto Reed sostiene aun una modesta, pero constante carrera en rock como solista, con discos clásico y discos experimentales, pero siempre cuesta arriba, a diferencia de otros quizás mas famosos que de repente cayeron en un bache y ya no salieron.

Después esta John Cale, el musico brillante, equivalente a Holger Czukay de los Can, a Eno de los Roxy Music o al Roger Waters de los Pink Floyd o el Robert Wyatt de los Soft Machine, Cale era el mas virtuoso musicalmente hablando, dentro de los Velvets, sus aportaciones musicales al primer disco del grupo son tremendas, un buen numero de instrumentos musicales y su experiencia en los sonidos avant garde que traía de su grupo anterior el Dream Syndicate, Cale seria parte esencial del segundo disco, aportando salvajismo y temerario ruido a la de por si, a las ya poderosas aportaciones de los otros miembros, es fácil darse cuenta que a la salida de Cale en el 68, los Velvet cambiarían su sonido, acercándose mas al rock clásico y alejándose del rock de vanguardia fiero de sus dos primeros discos, por si esto fuera poco, Cale prosiguió con una carrera de solista con varios destellos de grandeza y con su tremenda aportación como productor de gente como los Stooges, Nico o Patti Smith.

Esta Sterling Morrison, uno de los guitarristas mas fáciles de reconocer del rock de los 60s, su sentido del ritmo es impecable, siempre apoyando con su guitarra las incursiones de Reed y Cale, quienes gracias a ese apoyo podían moverse sin temor, liberando sus descargas de guitarra, piano, bajo o viola, por si fuera poco Morrison era mediador entre los tremendos caracteres de Cale y de Reed, ayudando a la cohesividad del grupo, quizás Morrison no era la figura mas visible del grupo, pero si ponemos atención en los discos, su guitarra es la base de la mayor parte de las grabaciones del legendario grupo.

Reed la llamaba la “Ejecutora”, Moe Tucker se encargaba de llevar el poderoso ritmo de los Velvet, Moe se olvidaba de las convencionalidades y se limitaba a un ritmo tremendo, siempre latente e insistente, que en parte se nutria del minimalismo y de afrobeat mas furioso, dejando a un lado todos aquellos adornos que solían usar los bateristas de aquellas épocas, Moe era el corazón que latía intensamente dentro de los Velvet, por si esto fuese poco, Moe también era la dulce voz angelical en algunas de las mejores baladas de Reed, posteriores al primer disco, además cabe mencionar que fue de las primeras mujeres en el mundo del rock en ejecutar un instrumento de manera tan innovadora.


Miembro del grupo durante su primer disco, Nico supo dejar su huella permanente dentro del grupo, seria fácil decir, bueno, Nico solo canto un par de canciones en ese disco, si, pero en un sitio intermedio entre figurones como Cale y Reed, había poco espacio para mas, Nico se embarcaría en una carrera solista, que quizás no brillaría por su comercialismo, pero seria de gran influencia para futuras generaciones, aportando increíbles discos con el apoyo de gente como el mismo Reed, Cale, Phil Manzanera y Brian Eno.

La decisión en definitiva seria muy difícil, mejor dejárselas a ustedes, para mi los 5 talentos son imprescindibles dentro el grupo y la salida de Nico, de Cale y de Tucker, son notorias en el sonido del grupo, el cual pudo sostenerse gracias al talento de Reed para la composición y al ritmos consistente que aportaba Morrison, pero pocos momentos posteriores del grupo se comparan al legendario primer disco, donde los Velvet profetizaron todo lo que estaba por venir.

lunes, 16 de julio de 2007

The A-ha Experience, Yo! Linares y Los Llamarada en la Fiesta Garage



El Garage es un espacio para el rock underground en Monterrey. Cada 15 días organizan fiestas como a la que fuimos el sábado pasado donde estuvieron las bandas mencionadas en el título de este post.
Ubicado en el Barrio Antiguo, el Garage es una casona vieja con un patio amplio en el que se ha instalado un sencillo pero bonito escenario donde han tocado bandas como Niña, Abeja, Nylon Tiburón, Piyama Party, Álbum, Mockinpott, entre otros.


La fiesta pasada sólo vimos a los A-ha Experience quienes abrieron la tocada a las 11 de la noche, hora a la que regularmente empiezan los eventos organizados en este lugar. El cuarteto regio tenía meses sin tocar, quizá una estrategia para que sus fans más fieles los extrañaran. No tocaron ninguna canción nueva. Ofrecieron el mismo repertorio que tienen desde hace dos años lo cual no fue nada aburrido siendo una banda que rara vez toca. Sus canciones garageras son cortas, sencillas y traen mucho rock integrado. Varios asistentes no pudimos evitar movernos con su música, inclusive a mi me dieron ganas de aventar al tipo que se puso delante de mi.

jueves, 12 de julio de 2007

Battles – Atlas (Video)

Por Luis Angel Martínez

Battles es una banda de Nueva York de noise rock que experimenta con estructuras rítmicas atípicas y riffs disonantes. Su imagen podría engañarnos haciéndonos creer que se trata de una banda convencional de rock. No es nada fácil compararlos con alguien más. Sus miembros han estado en bandas como Helmet y Don Caballero. Basta con decir que pertenecen a Warp Records para darnos una idea frente a qué nos encontramos.

Echen ojo al video de “Atlas”, dirigido por Timothy Saccenti quien propone un trabajo impecable utilizando la imagen del grupo con recursos visuales nada comunes. Nunca he estado en un hoyo negro pero este videoclip me da la sensación de que fue filmado dentro de uno.



Myspace

Yoko Ono: ¿Bruja o Estuche de monerías?

Por Andrea Gon-Belt.



Siempre que se habla de Yoko, es como si jugara un papel secundario, bajo el brazo de Lennon, el odio de Paul y unos cuantos millones de fans. Nos importa poco (y a pocos) cuando nació, que es de su vida, que le gusta hacer los domingos o cuantas de azúcar le pone a su café en las mañanas; la vida de Yoko no empieza a partir de John, que de cualquier manera es a él a quien se la dedica por medio de un sin fin de obras.

En 1933 Yoko llega al mundo. Bajo la influencia de su padre “un pianista frustrado” (según la mayoría de las biografías existentes de la artista) a muy corta edad recibió la música casi como educación fundamental. Se dice que a los cuatro años de edad fue cuando por primera vez la “niña del océano”, significado que se le da a su nombre, tiene su primer concierto. No paso mucho el tiempo cuando “Los Ono” dejaron Tokio para establecerse en Estados Unidos, de lo cual tampoco transcurre demasiado, para que sean casi expulsados por los “yankees” a causa de la Primera Guerra Mundial y el odio de estos hacia los “nipones”.

A principios de los cincuenta Yoko regresa a Nueva York, después de haber contraído nupcias con Ichiyanagi Toshi, compositor quien fue compañero de Ono, en la escuela de Música. Diez años en la Gran Manzana le bastaron para acentuar su carrera, no solo por el lado musical, ya para cuando pisaba 1960, se iniciaba como poeta y artista plástica. De ahí su primera exposición en 1961 en la AG Gallery en Nueva York, donde Toshi colabora con la caligrafía en la obra “Pintura en tres estrofas”, poema que Yoko realiza, dejándole al lector la tarea de imaginar. A lo que llamaría “Arte cerebral”.

Para esas fechas, se integra al colectivo Fluxus, de la mano de John Cage : “las instrucciones deben ser escritas para que la obra en realidad exista” , casi como el slogan de muchos artistas de esa época, que pareciera adelantada al momento. Fluxus (flow: fluir) que forma parte de un movimiento artístico que nace en los sesentas, caracterizado por darle mas importancia a lo ético y no a lo estético:

Fluxus purga el mundo de la locura burguesa, de la cultura intelectual, profesional y comercializada. Purga el mundo del arte muerto, de imitación, del arte artificial, abstracto y matemático", según George Maciunas, uno de los miembros fundadores de este colectivo.

En el 62´ concluye el primer matrimonio de Yoko, que abatida por una depresión e intentos fallidos de suicidio, regresa a la capital Japonesa para encontrarse con su familia, quienes la internan en un Hospital Psiquiátrico y permanece sedada durante meses. Y entonces como caído del cielo aparece Anthony Cox, músico de jazz, que la rescata de su “mala racha”, pidiéndole matrimonio y llevándola de vuelta a Nueva York, donde realiza, “cut pieces” un performance donde ella aparece en un escenario en la misma posición, invitando al público a cortar su ropa en pequeños pedazos hasta dejarla desnuda. Todo aquel que estuviera presente podía participar, lo único que se requería era llevar unas tijeras.

Cut pieces, recibe buenas criticas y da la vuelta al mundo hasta llegar a Londres en 1966, donde es invitada a representarla en la Indica Gallery, patrocinada ni mas ni menos que por el mismo Lennon. Para ese entonces Ono incursionaba en el cine experimental, con obras como “bottoms” mas de cien traseros desnudos desfilando frente a una cámara casi convencional; “fly” donde una mosca recorre el cuerpo de la Japonesa, entre otros; Que de igual manera que sus anteriores trabajos, había que usar la imaginación y criterio amplio, para poder gozar de la obra.

Los londinenses no usaron ni una ni otra y Yoko fue vista de mala manera; Lennon fue la excepción y para mala suerte de Cox, John que también era casado, estaba a punto de “bajarle a la novia” que después de haber platicado unas cuantas horas, había quedado totalmente prendado de ella.



Dos años más tarde, divorciados y enamorados se casan en Gibraltar un 20 de marzo de 1969.


A sus 74 años Yoko no solo representa una buena parte del Fluxus y de numerosas ideologías para las artes en general, también se considera precursora del Punk y hasta la fecha se sigue pensando que es uno de los personajes clave dentro del movimiento de protesta que da inicio a finales de la década de los sesenta, lo cual nos lleva a pensar que con o sin Lennon, Yoko y su excentricismo permanecerían como parte de un icono importante a nivel mundial.

De Tarea:

Cut pieces

Fly

Bottoms (four)

Fluxus (one)